“青睐”会员走进剧场为人艺庆生 73岁北京人艺依然龙马风神 骆驼坦步

6月12日晚7点半，北京人艺四座剧场的钟声同时敲响——东方美学的历史大戏《张居正》在首都剧场、“最话剧的话剧”《洋麻将》在曹禺剧场、充满青春奇想的《哈姆雷特》在实验剧场、首次引入AI话题的《一日顶流》在人艺小剧场，同时拉开大幕……而此时，由谭宗尧、林连昆、吕中等第一代演员担纲的1988版当代经典《天下第一楼》也在线上开启了限时放映。北京人艺73周岁的生日，果然戏比天大、戏份十足。

当天下午2点，此次院庆日唯一一场线下活动《万家灯火》剧本朗读在菊隐剧场推出，20位《北京青年报》“青睐”会员走进剧场为人艺庆生。2002年，《万家灯火》首登人艺舞台，剧中宋丹丹那句“鞋小顶脚”的经典桥段至今还为观众所津津乐道，这部创下当年话剧票房纪录的作品也成了宋丹丹“演着过瘾”的舞台角色之一。此次由15位青年演员以剧本朗读的形式呈现，虽没有服装道具，只有简单的舞台调度，依然以扎实鲜活的文本与平民式幽默触摸历史，洞悉人心。

现场笔记之一戏剧电影是人艺的第一次

院庆日除了戏聚人艺，更少不了创作感悟的分享，今年剧目访谈沙龙的主题紧扣“科技赋能艺术、数字驱动传承”，高清戏剧电影、AI话题和LED首次应用，以及从文学直通舞台的集体创作路径等，都彰显着老院长曹禺亲笔为北京人艺写下的那八个字——龙马风神，骆驼坦步。

一段高清戏剧电影《哗变》的片花，写入了北京人艺的历史。北京人艺院长冯远征说：“戏剧电影是人艺的第一次，对话剧观众、对电影观众，戏剧电影《哗变》或许都是第一次，也有可能成为未来中国戏剧电影的开端。”据冯远征介绍，高清戏剧电影《哗变》摄制于2023年，与之前为复排提供参考，也为剧院留存资料的舞台纪录片相比，高清戏剧电影是用电影语汇完成拍摄的戏剧，除了在观众席带观众录制剧场效果外，还会将机器请上舞台，以近景特写甚至没有台词的演员的反应，来展示各种舞台细节，让观众在银幕前能够看到演员的微表情。而观众的视角也不仅仅是观众席，甚至有在台上的沉浸感，对艺术家而言，也能够更好地留住巅峰时期的表演。

如果说戏剧电影是世界流行的趋势，未来，戏剧电影或可随北京人艺国内外巡演一路同行。这几年，人艺陆续完成了《哗变》《茶馆》《正红旗下》的拍摄，“这三部作品都已经申请到了龙标（公映许可证），未来可以进入院线并在平台播出。而今年，人艺还要完成《张居正》的摄制，人艺的戏剧电影库正在陆续丰富中。除了在国内扩大人艺的影响力，更希望把戏剧电影传播到海外，用戏剧展示中国人的智慧。”冯远征表示。

现场笔记之二我们是在拍电影还是演话剧

细腻的微表情是戏剧电影的一大看点，但话剧表演为了直抵最后一排的观众，常常需要放大表演幅度，演员又该如何去平衡戏剧与电影的双重负载呢？

对此，冯远征说，“《哗变》拍摄时，演员就有这样的疑惑，是按照话剧的方式表演？还是按照电影的方式？在排练厅时，我们分别用两种形式进行了试验，后来我说还是用话剧形式。我对拍摄团队也提出了要尽量去展现话剧特质的要求，镜头不仅要带上观众，还要让看电影的人也能意识到这是在剧场。所以不怕灯光等舞台设备的穿帮，这种假定性可以暴露在观众面前，要让观众知道就这是一场戏剧，是发生在剧场里的，不要去规避属于戏剧的特质。”

英国国家剧院无疑是走在世界戏剧电影前沿的，但在参考借鉴的同时，冯远征也表示：中国的戏剧电影应该如何走，要一戏一格。“《哗变》的舞台样式是拍摄团队非常喜欢的，没有那么多调度，只有吴刚饰演的格林渥和王刚饰演的查理可以走动，其他人几乎都是坐着说台词，大多数时候靠摄影机的运动来捕捉演员的表演就够了。而《正红旗下》因为调度多，就需要镜头更丰富。马上要拍摄的《张居正》更是在前期和拍摄团队沟通时，我们就提出了如何把光影拍好的需求，舞台很空旷，给观众的想象空间很大，但如何在镜头里把这个想象空间展现出来，未来可能会是一个课题。”

从第一部戏剧电影开始，北京人艺便向世界一流水平看齐，并遵循严苛规律来拍摄。据冯远征透露，《正红旗下》光剪片子就用了大半年的时间。“摄制团队也在不断探索，我每次见到他们都有点内疚，我们确实要求很高，但其实也只是想让自己先别留遗憾。”

现场笔记之三对于多媒体和LED的使用北京人艺远远晚于其他院团

对于“科技赋能”这个流行词汇，北京人艺一直秉持审慎的态度。至于AI是否能代替编剧和设计，冯远征称自己也试过用AI写剧本，“虽然非常严谨，但缺少人性和温度，AI画出来的人，并不生动，没有生命力，眼泪不是真实从眼眶中流出来的。”作为人艺这艘大船的掌舵人，冯远征清楚地知道，“创新首先要看清前路，创新可以披荆斩棘，但方向一定要对。还是曹禺先生的那句话：龙马风神、骆驼坦步，龙马风神就是往前走，骆驼坦步则是脚踏实地。在创新这条路上，人艺要做弄潮儿，但绝不能不知前路是什么。”

对于多年前就已经成为舞台常规套路的多媒体，北京人艺在舞台上的使用是从《杜甫》开始的，远远晚于其他院团。在冯远征看来，并不是用上了就不可或缺，“包括《正红旗下》《风雪夜归人》这样的作品都不适合，但像《张居正》，在场景转换时是需要的。但我们制作的画面追求了一种模糊感，因为多媒体只是帮助剧情推进，不能去抢演员的戏，科技只能是辅助，不能让戏剧赋能科技，要让科技赋能戏剧。”而眼下正在上演的小剧场话剧《一日顶流》，则是北京人艺第一次使用LED屏，而这也仅仅是出于剧情的需要。导演杨佳音说，“北京人艺一直希望能让戏剧回归戏剧，用戏剧的方式解决戏剧舞台上的表达。戏剧到今天，也在相关领域借了很多语汇，对于这部戏，影像在舞台上可能会更加直观，比如男演员说到直面黑洞时的那种恐惧，多媒体辅助的粒子感，在表现力的瞬间是加分的。人艺对于舞台科技的使用不能炫，要适可而止。”

现场笔记之四《正红旗下》老舍没写完人艺如何接续

去年，《正红旗下》完成了戏剧电影的拍摄，对于这部老舍先生未完成的作品，同时也是人艺此前未触及的剧作，人艺人的解读也是从文学出发，着重展现那种不同于胡同戏的北京味道。而拍摄戏剧电影也正是希望带着一种新京味儿走出北京，走向更广阔的舞台。

在剧中饰演老舍先生的濮存昕说：“《正红旗下》是老舍先生怀着善意写的，写的是自己真实的所听所见。他所经历的是我们这个民族曾经非常苦难的一段历史，老舍先生的难在于他觉得自己写东西要有意义，可是又不知道意义在哪。民族存亡、列强欺辱、百姓民不聊生，但贵族生活又腐朽无聊，这种自省的力量是最真实也是极其痛苦的。要不要落在笔端，记录下来，留给历史？他的痛苦也正在于此，可以说心在流血。”于是，濮存昕将老舍先生的照片摆在化妆镜前，每晚演出前，也常常能看到他对着镜子仿佛说台词又仿佛自言自语的状态，“如何完成台上台下的自述，他的台词既是独白也是旁白。”

而作为导演的冯远征，在这部戏创作之初便提出，不希望这个戏的舞台是四合院，更不希望是真实的胡同。“我希望是北京，但是不一样的北京。改了四五稿之后，我提出想起小时候爬到平房的房顶，远眺时看到一层层的瓦，特别有北京的感觉。所以《正红旗下》的舞美设计应该既是北京的，又是现代的。打破舞台上的一种平面空间，但又能让人感受到大厦之将倾。人们生活在高处，不觉得自己处在一个危机时刻，但下面其实已经危险涌动了，这更象征着那段历史即将过去。”

现场笔记之五未经“剧本”直接把小说搬上舞台

同剧本九易其稿的《张居正》相比，正在人艺小剧场上演的新戏《一日顶流》的创作则完全不同，而这也是人艺第一次尝试从小说直通舞台的创作方式。

今年4月，小说刚刚出版，而人艺也一直在和作家石一枫接触，并寻找编剧来改编他的小说，但冯远征说，因为改编难度很大，所以他想到了自己在上世纪80年代末90年代初去德国学习时，就已经有的这种集体创作的方式。“大家拿着小说在排练厅里一点点梳理，在德国时我也参与过这样的创作，所以这次我鼓励剧组大胆尝试。其实人艺之前的《北街南院》《生·活》等作品中，已经浅尝过这样的创作路径。特别是《社区居委会》，体验生活后，很多发生在社区的生动故事，都被直接搬到了舞台上。”

既然有过这样的尝试，冯远征也相信人艺的主创有这样的创作力，于是，在排练厅直接磨剧本的创作团队组建了。

导演杨佳音带领演员以及各部门主创，音效甚至舞台监督都参与其中，场记则最后成了剧本的执笔。大家在一起，以既没有脱离小说本质，又把主创对生活的想象力和感知融入到了剧中。首场演出后，原作者石一枫看完后也惊叹于这种人艺速度。将创作过程形容为“痛并快乐着”的导演杨佳音，回忆那段创作时称，几乎是从第二周开始，我们都会有文本的更新。“拿到小说，我用了不到三周的时间，看了两遍，梳理出了我想讲述的一条故事线。原小说400多页，几十万字，要匹配到戏剧体量中，注定不是简单的事。所谓改编，有要改的部分，更要有编的部分，但无论如何改编，精神内核都不能变。我们用了7天的时间完成了从文学到舞台的一稿剧本，过程中有灵感枯竭的时候，有争执不下的时候，一幕很顺利，二幕往后就遇到了瓶颈。记得有一天很热，大家都非常躁动，几乎排不下去了，剧组就直接去北海划船。我们七个人租了两条船，在水面上荡起涟漪，拿着戏里没有弦的电吉他，边唱边聊，回到创作的原点，那一刻是自由和欢愉的。之后第二幕就出来了。”

一部戏的诞生注定不会一路坦途，6月1日得知剧中主演李珀脚受伤无法登台，此时距离6月6日的正式演出只有5天了，最终仗着对文本熟悉的“肥胆儿”，杨佳音顶了上去。一日顶流、五日顶上，73岁的北京人艺永远不缺故事……文/本报记者郭佳

摄影/本报记者柴程责任编辑：任芯仪(EN063)