经典如何在当代舞台持续绽放？

陈蔚（左前）执导《木卡姆恋歌——万桐书》

歌剧《江格尔》

2025年12月30日晚，中国音乐学院综合演播厅里灯光温润，歌剧《再别康桥》的旋律再一次悠然响起。这部已经演出了25年之久的中国首部小剧场歌剧，依旧吸引了满场观众。

这仅仅是导演陈蔚2025年艺术版图的一角。从新疆的《木卡姆恋歌——万桐书》到“五一”国际劳动节火爆广州大剧院的《湾顶月明》，从经典复排《原野》到中文版《叶甫盖尼·奥涅金》，她的作品去年在全国多地开花，几乎每个月都有剧目在不同城市上演。这些作品涵盖歌剧、音乐剧、戏曲多个门类，却都收获了热烈的市场反响与艺术认可。

在艺术形式日益多元、观众审美快速更迭的今天，如何能让舞台作品穿越时代和审美的周期，持续不断地吸引观众？这位中国最具影响力的歌剧导演，手中握着怎样“常演常新”的密码？近日，导演陈蔚接受北京青年报记者专访，分享创作心法。

多地开花

歌剧、音乐剧、戏曲打破边界

翻开陈蔚2025年的演出日程，密集程度令人惊叹。《再别康桥》在中国音乐学院上演的同时，《木卡姆恋歌——万桐书》在新疆创下十年票房最佳，刚刚完成全国巡演；歌剧《原野》在北京连演十场，一票难求；楚剧《汉口茶港》、秦腔现代戏《生命的绿洲》、歌剧《江格尔》《湾顶月明》、音乐剧《罗阳》等作品也在各地持续上演。她笑着说，“2025年真是从年初演到12月30日。”

这种“多地开花”的景象背后，是陈蔚对艺术形式边界的持续突破。在她手中，歌剧不再只是宏大的西洋正剧，音乐剧不囿于百老汇模式，戏曲也能与现代表达无缝衔接。

以《生命的绿洲》为例，秦腔艺术虽然是古老的戏曲艺术，但在陈蔚看来，它早已涉足当代题材的创作领域。“在舞台呈现上，我们把秦腔艺术和当代舞台中多媒体的手段以及当代审美进行了深度的结合。在这部戏里，舞美引入AR技术，使舞台充满了科技感，用三次电影化的手段来呈现，这种手法在秦腔里可以说是首创。”

无论是像秦腔这样古老的艺术，还是歌剧这样传统的艺术，抑或经典内容为主的民族歌剧，在陈蔚的作品中都能找到当代的精神价值，这也成了将观众与经典链接起来的桥梁。对于讲述大湾区高科技人员奋斗故事的《湾顶月明》，陈蔚在创作之初就将其定位为轻歌剧，“当代歌剧界多年没有出现过原创的轻歌剧了，我觉得这种形式特别适合展现当代高新企业以及充满活力的年轻人的故事。”在陈蔚看来，作为歌剧人，要把身段放下，用轻松愉快的方式讲一个血脉相承、科技报国的大道理。采用了前沿的舞台技术的表演，让从事无人机、低空经济的高科技人员观后激动不已，“觉得那就是他们的写照”。而在音乐剧《罗阳》中，她找到了新时代科技强国与艺术教育的最佳结合点，这部剧已成为北京航空航天大学每年新生入学最受欢迎的“第一课”，上演了12年。

“我的艺术追求永远是一戏一格，只做精品。”陈蔚说。2001年，她与作曲家周雪石合作的《再别康桥》开创了中国小剧场歌剧的先河。这部作品摒弃传统歌剧的宏大叙事，采用小型化、低成本、高质量的独特优势，成为学院教学和舞台实践的经典样本。周雪石回忆，“当时的歌剧以历史题材、红色题材居多，《再别康桥》是鲜少的知识分子题材。而乐队不仅采用了小型室内乐队，还从乐池搬上舞台，和演员的表演空间融合在一起。可以说从形式、内容、题材到技术处理，这部剧都体现了一种新颖的风格。”

在陈蔚看来，跨界不是目的，而是手段。她用多元的艺术形式，承载着多元的文化表达，让每个故事都找到了最贴切的舞台语言。

立足当代

让经典在当下舞台“活”起来

“我的原则首先是立足当代，立足年轻人的审美。不是照搬原作，而是紧跟时代的审美步伐，特别想吸引年轻人进剧场看经典歌剧。”陈蔚的这句话，道出了她让经典“活”起来的核心密码。

去年连演十场，一票难求的《原野》便是最佳例证。这部金湘作曲、万方编剧的中国歌剧经典，在陈蔚手中焕发出全新生命力。舞台简约而不简单，新媒体介入和导演手法的创新，让这部创作于上世纪80年代的作品依然能打动今天的观众。

对于外国经典的中文改编，陈蔚的“活化”策略同样巧妙。在中文版《叶甫盖尼·奥涅金》的制作中，她提出“回归文学、回归诗意”的理念。舞台上巨大的油画框、投影的诗句碎片、浓郁的油画质感，将柴科夫斯基的音乐视觉化，营造出沉浸式的戏剧体验。

“我们以19世纪俄罗斯油画艺术为基底，在视觉美学层面去表达普希金文学、柴科夫斯基音乐艺术。”陈蔚说。这一版《奥涅金》不仅保留了原作精髓，还通过中国视角与当代表达，让这部俄罗斯经典在中国舞台上找到了新的共鸣。郑小瑛指挥的该剧收费直播吸引了近3.7万人在线观看，证明了经典作品在当代依然具有强大吸引力。

在《再别康桥》的持续打磨中，陈蔚对艺术语言的革新同样明显。中国音乐学院声乐歌剧系大四学生朱一笑透露，“陈导要求我们演员能做到‘随时定格’，因为《再别康桥》是小剧场，观众离你最近可能就半米距离，所以表演的尺度、精度必须格外讲究。这其实是对我们表演的一种规制，让我们的表演更加规范。”这种“高点运行”的表演要求演员一上场就必须状态饱满、情感充沛，适应了小剧场演出观众距离近、场次时间短的特点，形成了独特的舞台美学。对此，该剧声乐总监、中国音乐学院声乐歌剧系主任吴碧霞深有感触，“这部戏孕育了一代代学子，我是看着这部戏成长起来的，到今天25年过去了，又有一批新人因为它而成长。这部剧有别于西方作品，它演唱的每一个字，我们都可以理解它背后的含义，这就是我们中国歌剧的魅力，我们要继续把它的魅力传承下去。”

创作生态

因地制宜搞创作将精品留下来

陈蔚的艺术语言革新不止于舞台呈现，更深入到创作生态。凭借跨院校、跨院团的资源整合能力，陈蔚建立起一支涵盖各艺术门类、多个工种的高水平创作团队，根据每部作品的特点集结团队。歌剧《叶甫盖尼·奥涅金》中文版是陈蔚与96岁指挥家郑小瑛合作的成果，团队中既有袁晨野、李秀英等歌剧名家，也有当地业余合唱团成员。“怎么在艺术呈现和排练效率上找到平衡？”陈蔚的创新方法是，用多媒体拍摄几位歌剧名家主演的特写，把内心活动外化到大屏幕上，“效果既新鲜又好看”。

而在新疆，陈蔚更探索出了独特的创作路径。从2004年的音乐剧《冰山上的来客》到歌剧《木卡姆恋歌——万桐书》，她深耕这片土地二十年，作品“演了三代人”，至今仍在演出。《木卡姆恋歌——万桐书》创下了近十年来新疆原创歌剧首轮演出最好成绩，平均上座率超80%，并迅速走向全国巡演。

“在新疆排戏，我会先考察两三年，摸清团体的长处和短处，发挥长处，规避短处。”陈蔚的方法论是因地制宜的智慧。她根据当地艺术资源、文化特质和团队特点，定制最适合的作品形态。《木卡姆恋歌——万桐书》的三位作曲家都是看着陈蔚导演的《冰山上的来客》长大的，这种代际传承让创作沟通更加顺畅。《木卡姆恋歌——万桐书》既保留了木卡姆的民族元素，又结合了AI等现代手段，这种创新不是简单地嫁接，而是深入理解民族文化后的当代转化。

歌剧达到的高度往往和整个歌剧制作流程的规范是分不开的。一部歌剧要想把作曲家的乐谱转化成完整的演出呈现在舞台上，需要经历做音乐作业、坐排、合成等数个环节。作为舞台领域的专家，陈蔚与地方合作的时候，都不遗余力地推广科学的演出制作流程。在排演内蒙古艺术剧院的首部歌剧《江格尔》时，陈蔚从给演员上戏剧表演、形体集训课开始，一点点地将科学的流程蕴含在日常的工作中，对当地的表演队伍和幕后团队进行了系统培养。“要深入挖掘每个演出团体的艺术特长，真正站在地方院团的角度打造剧目，发挥其特长，弥补其不足。”陈蔚表示，唯有充分调动各方力量，减轻地方负担，让作品越演越有价值，才能真正留下精品。

时代链接

回应现实连接观众情感

经典之所以能够常演常新，根本在于它与每个时代的对话能力。陈蔚深谙此道，她的作品总能在历史与现实之间搭建桥梁，在舞台与观众之间建立连接。

“什么样的作品可以常演常新？我觉得首先是思想内容要深刻，传达正能量，这个正能量涵盖人类情感的正向表达，以及对世界观价值观的整体思考。”陈蔚对作品思想性的要求，是她创作的第一道关卡。

无论是《汉口茶港》中茶商抗日的英雄气概，《奥涅金》中对真挚爱情的永恒追求，还是《原野》中对人性复杂性的深刻揭示，她的作品总能在具体故事中提炼出超越时代的价值。而对于《木卡姆恋歌——万桐书》，她更看重作品在铸牢中华民族共同体意识方面的现实意义，“无论从当年万桐书先生到新疆抢救木卡姆，还是我们剧组本身，我的执行导演是维吾尔族，演员队伍也是多民族的，整个剧组就是一个大家庭。”

这种时代链接不仅体现在题材选择上，更贯穿于创作全过程。陈蔚的原创作品往往需经数年沉淀打磨，“短则两三年，长则四五年亦属常态”。她尊重艺术规律，坚信创作不应止于短期成果或奖项竞逐，而应打造“既能打动当代观众、传递中国情感与叙事，又具备持久艺术生命力的舞台精品”。

培养观众与培养演员同等重要。作为中国音乐学院表演教研室原主任与教授，陈蔚自觉承担起艺术教育使命。陈蔚将教学现场延伸至全国各地的剧院排练厅，通过“AB角制”不仅培养主要演员，更扩展至指挥、舞台监督、灯光、多媒体等每个岗位。这一“授人以渔”的协作机制，已有效助力多个地方院团突破人才断层困境。20多年来，在陈蔚作品中担任主演的吕薇、尤泓斐、高鹏、张海庆等，从学生成长为中国歌剧舞台的中坚力量，并相继成为各艺术院校的教师、教授。

学生朱一笑对此感触颇深，“这四年的舞台实践确实让我成长很多，尤其是规范了我的表演。对歌剧演员来说，在既定的框架里合理地、有感染力地去表演，其实很不容易，但这样呈现出来的作品，观众看着也会觉得更有规格、更精致。”

而创作出作品只是起点，如何让这些作品穿越时间的周期长久地演下去，不断适应不同时代观众的审美？陈蔚表示，她对作品的关注是终身的。“每部戏每演一次，我都会跟进。”《木卡姆恋歌——万桐书》巡演期间，从衡阳到郑州再到哈密，她和团队根据剧场条件不断调整方案，“第一站到衡阳，剧场深度不够，我们就和舞美设计立刻调整方案；到了郑州剧场条件好了，就考虑让全编制乐队一起上，呈现得非常完整。”而在万桐书挖掘木卡姆的哈密演出的时候，陈蔚特别安排了演员与观众跳舞互动的环节，场面非常热烈。正是秉承着极高的专业素养和严苛的艺术标准，陈蔚的每一部戏在当地都收获了观众热烈的回馈。这种全方位、全周期的创作态度，让陈蔚的作品形成了良性循环。

“我是不达目的不罢休的人，我一直坚信，只有具备这种耐心、理性分析和那股子坚韧的劲儿才能做好每一部戏。”正是秉承着这股子对艺术的执着和不懈，陈蔚手上那把让作品穿越时间、“常演常新”的密钥才能愈加闪亮。《再别康桥》的灯光暗下，但陈蔚的创作之光，仍在更多舞台上亮起。

文/本报记者 田婉婷 统筹/李洋责任编辑：王悦(EN103)